Facebook Instagram Youtube

Autor: adminka

Kategorie
Aktualności

NOWY ROZDZIAŁ: UMWELT W RZESZOWIE

Zielony plakat zapowiada spektakl teatralny „Umwelt” w reżyserii Adama Ziajskiego, który odbędzie się w ramach Europejskiego Stadionu Kultury. W centrum, wewnątrz nieregularnego wycięcia, widać poruszone zdjęcie aktorów w białych kostiumach wykonujących gesty dłońmi. Na dole umieszczono czarne napisy informujące o miejscu wydarzenia (I LO w Rzeszowie) oraz dacie i godzinie (28.06.2026, 17:00).
Zielony plakat zapowiada spektakl teatralny „Umwelt” w reżyserii Adama Ziajskiego, który odbędzie się w ramach Europejskiego Stadionu Kultury. W centrum, wewnątrz nieregularnego wycięcia, widać poruszone zdjęcie aktorów w białych kostiumach wykonujących gesty dłońmi. Na dole umieszczono czarne napisy informujące o miejscu wydarzenia (I LO w Rzeszowie) oraz dacie i godzinie (28.06.2026, 17:00).

W czerwcu zagramy „Umwelt” w ramach Europejskiego Stadionu Kultury.

Wschód Kultury – Europejski Stadion Kultury to jedno z największych wydarzeń kulturowych w Polsce, które zrzesza artystów z Europy i Krajów Partnerstwa Wschodniego od 2013 roku. Festiwal słynie z niekonwencjonalnych projektów, a artyści mają możliwość eksperymentowania w różnych dziedzinach sztuki. Jego tegoroczne hasło przewodnie to „INNOVATION”.  

Po spektaklach w Poznaniu i Wrocławiu, ruszamy do Rzeszowa, aby zaprosić kolejną publiczność do wyjścia poza granice własnej percepcji. „Umwelt” ukazuje osoby o różnorodnym postrzeganiu świata, m.in. osób głuchych, z AuDHD i doświadczających synestezji – unaocznia jak można doświadczać świata, gdy dźwięki mają kolory, a litery własne barwy. Stanowi połączenie teatru z neurotechnologią i biofeedbackiem, a reakcje i emocje widzów współtworzą spektakl.

Tytułowy termin w języku niemieckim oznacza „wokół-świat”: środowisko, które nie tyle nas otacza, ile obejmuje to, co dla nas istotne i rzeczywiście dostrzegalne. To subiektywny świat zmysłów, reakcji i znaczeń.

Udział w festiwalu to możliwość sprawdzenia, jak rozwinie się nasza opowieść. Każde kolejne miasto to dodatkowy rozdział, dlatego z ciekawością ruszamy na drugi koniec kraju, aby sprawdzić, jakie wrażenia „Umwelt” pozostawi za sobą w Rzeszowie. To następne miejsce na trasie podróży przez światy, do których nie zawsze jesteśmy w stanie dotrzeć. 

UMWELT// ADAM ZIAJSKI

∘ KIEDY: 28 czerwca, 17:00
∘ GDZIE: I LO w Rzeszowie 
∘ CZAS TRWANIA: 90 minut
∘ SZCZEGÓŁY I BEZPŁATNE WEJŚCIÓWKI  ⟶ KLIKNIJ TUTAJ

UWAGA

Spektakl zawiera intensywne efekty świetlne oraz dźwiękowe, które mogą być uciążliwe dla osób wrażliwych.

Spektakl powstał w ramach programu OFF Polska organizowanego przez Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego.

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego

Kategorie
Projekty

TANIEC DUSZY, MUZYKA SERCA // Niranjan/Nowacki/Purandare

Zdjęcie przedstawia ekspresyjną fotografię artystki w tradycyjnym, bogato zdobionym stroju indyjskim na gładkim, zielonym tle. Kobieta ma na sobie czerwoną i niebieską szatę, wyrazisty makijaż, biżuterię oraz bindi na czole, a jej dłonie są ułożone w tanecznym geście. W dolnej części kadru umieszczono jaskraworóżową plamę z czarnym napisem „Taniec Duszy Muzyka Serca”, a w lewym górnym rogu znajduje się białe logo „Scena Robocza”.
Oliwkowo-żółty plakat zapowiada wydarzenie „Taniec Duszy Muzyka Serca”, którego centralną część stanowi wcięte zdjęcie tancerki w indyjskim stroju. Na dole po lewej stronie umieszczono czarne napisy informujące, że wydarzenie odbędzie się w STUDIO SCENA ROBOCZA. Po prawej stronie wymieniono nazwiska artystów (Niranjan Nowacki Purandare) oraz podano precyzyjną datę i godzinę: 08.06.2026 19:00.

Wyjątkowy wieczór pełen rytmu, emocji i spotkania kultur.

Na scenie spotkali się artyści z Indii i Polski, tworząc niezwykły dialog tańca i muzyki na żywo. Klasyczny indyjski taniec Bharatanatyam to jeden z najstarszych i najbardziej ekspresyjnych stylów tańca świata. Taniec wykonała Apeksha Niranjan – ceniona tancerka i choreografka z Mumbaju. Jej sztuka wyróżniła się wyjątkową ekspresją, precyzją ruchu i odważnym otwieraniem klasycznej formy na nowe konteksty muzyczne i kulturowe. Taniec połączył się z brzmieniem instrumentów takich jak sitar, tabla i klarnet oraz śpiewem inspirowanym muzyką Indii.

Była to podróż przez opowieści zapisane w ruchu, rytmie i melodii. Precyzyjne gesty, dynamiczne rytmy i żywa energia muzyków przeniosły publiczność w świat indyjskiej sztuki, gdzie tradycja spotyka współczesną, międzynarodową wrażliwość.

To wydarzenie było także okazją do poznania niezwykłej historii samej Apekshy Niranjan, której rodzinne losy związane są z Polską. Choć sama urodziła się w Indiach jej babcia była Polką, która w zgiełku wojennej migracji znalazła schronienie w Indiach. Podczas wydarzenia mieli_łyśmy okazję, aby porozmawiać z nią o tych wyjątkowych korzeniach – o tym czy to ten wyjątkowy fragment rodzinnej pamięci stał się inspiracją dla artystycznych działań poświęconych relacjom polsko-indyjskim oraz idei kulturowego porozumienia.

Był to wieczór pełen pasji, duchowości i artystycznego dialogu ponad granicami!

Pionowe zdjęcie prezentuje tancerkę uchwyconą od pasa w górę w trakcie wykonywania tradycyjnego tańca. Kobieta ubrana jest w czerwono-niebieskie sari, a jej szyję, uszy, włosy i pas zdobi masywna, złota oraz zielona biżuteria. Artystka patrzy bezpośrednio w obiektyw z delikatnym uśmiechem na tle jednolitej, szmarandowej ściany.

Apeksha Niranjan to tancerka Bharatnatyam, choreografka, badaczka sztuki tańca oraz była aktorka filmowa pochodząca z Mumbaju. Jest uczennicą wybitnych guru – dr Suchety Chapekar oraz dr Alki Lajmi. Ukończyła studia licencjackie i magisterskie w dziedzinie Bharatnatyam, a także posiada certyfikat artystki indyjskiej telewizji publicznej Doordarshan.
Jest założycielką i dyrektorką szkoły Nrityanjali Performing Arts, gdzie od ponad 21 lat naucza Bharatnatyam. Równolegle rozwijała karierę filmową jako aktorka kina marathi, występując w głównych rolach w takich produkcjach jak „Zunzar”, „Mingo”, „Ata Lagnala Chala” czy „Sang Priye Tu Kunachi”.
Artystka ceniona jest za wyjątkową ekspresję sceniczną oraz nowatorskie podejście do choreografii. Jako pierwsza wprowadziła chorały gregoriańskie do tradycyjnych przedstawień Bharatnatyam, a także jako pierwsza indyjska tancerka klasyczna stworzyła recital Bharatnatyam do tradycyjnej polskiej muzyki ludowej. Współpracowała z polską pisarką Moniką Kowaleczko-Szumowską przy realizacji tematycznego recitalu „Dzieci Maharadży”, poświęconego historycznym relacjom polsko-indyjskim.
Apeksha Niranjan stworzyła również choreografie do licznych marathi abhangów, które prezentowała na scenach całego świata. Zrealizowała także unikalny recital Bharatnatyam inspirowany hiszpańską muzyką flamenco, łącząc klasyczną tradycję indyjską z elementami kultury europejskiej.
Swoje recitale Bharatnatyam prezentowała m.in. w Indiach, Polsce, Włoszech, Sri Lance, Kanadzie, Tajlandii, Francji, Gruzji, Stanach Zjednoczonych, Serbii oraz Korei Południowej.

Zdjęcie przedstawia zbliżenie na młodego mężczyznę o ciemnych, lekko falowanych włosach, patrzącego w prawą stronę z poważnym wyrazem twarzy. Artysta ma na sobie ciemną koszulę w gęsty, ornamentalny wzór, a przed nim ustawione są dwa mikrofony sceniczne na statywach. Tło za mężczyzną jest całkowicie czarne, co mocno odcina jego sylwetkę.

Rudra Niranjan to młody i obiecujący wokalista pochodzący z Mumbaju, reprezentujący nowe pokolenie indyjskich artystów muzycznych. Jest synem uznanej tancerki i choreografki Bharatnatyam, Apekshy Niranjan, dzięki czemu od najmłodszych lat dorastał w atmosferze sztuki, muzyki i tradycji klasycznej Indii.
Obecnie kształci się pod kierunkiem cenionego muzyka i pedagoga Sanjeeva Chimmalagiego, doskonaląc warsztat wokalny oraz pogłębiając wiedzę z zakresu indyjskiej muzyki klasycznej. Rudra rozwija swój potencjał artystyczny poprzez regularne występy i intensywną edukację muzyczną.

Fotografia ukazuje z profilu brodatego, łysego mężczyznę grającego na tradycyjnym instrumencie strunowym. Muzyk ubrany jest w jasną, elegancką koszulę z długim rękawem oraz beżowe spodnie, a jego palce spoczywają na gryfie instrumentu. W ciemnym tle za nim widoczne są rozwieszone, drobne, wielokolorowe lampki dekoracyjne.

Eryk Nowacki gra na sitarze od ponad dekady, a jego przewodnikami w zgłębianiu tajników tej sztuki byli indyjscy mistrzowie: Supratik Sengupta, Debashish Bhattacharya oraz Bhai Baldeep Singh. Dzięki ich naukom zrozumiał duchowy wymiar muzyki indyjskiej. Podczas koncertów wykorzystuje tradycyjne kompozycje i techniki, wzbogacając je o własne pomysły oraz perski instrument saz. Współtworzy zespół Surtarang i najróżniejsze projekty łączące dziedzictwo Indii z zachodnim kręgiem kulturowym. 

Zdjęcie przedstawia profil dojrzałego mężczyzny z ciemnymi, lekko posiwiałymi włosami, który stoi przed mikrofonem scenicznym w ciepłym, czerwonym oświetleniu. Artysta ubrany jest w ciemną kamizelkę oraz wzorzystą koszulę w kolorowe motywy roślinne. Całość kadru skupia się na jego twarzy zwróconej w lewą stronę, podczas gdy w tle zarysowuje się prosta konstrukcja wnętrza.

Mandar Purandare  urodził się w Punie w Indiach. Od dzieciństwa miał kontakt ze sceną, teatrem i muzyką, rozwijając swoją pasję do sztuki. Występował w językach marathi, hindi oraz niemieckim, zdobywając doświadczenie zarówno teatralne, jak i muzyczne.
Od lat aktywnie działa również na polskiej scenie, występując w języku polskim i realizując autorskie projekty inspirowane spotkaniem kultur Indii i Europy. W swojej twórczości łączy muzykę, teatr i działania performatywne, poszukując uniwersalnego języka emocji i opowieści.
Jest wykładowcą języka hindi na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu, gdzie popularyzuje język oraz kulturę Indii. Łączy działalność akademicką z pracą artystyczną, angażując się w projekty międzykulturowe i edukacyjne.
Muzyk, aktor i tłumacz, a także miłośnik przyrody, kwiatów i spotkań z ludźmi.

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Kategorie
Aktualności

Nowa Generacja 2026 // Grono Eksperckie // Liczba Zgłoszeń

Plakat w intensywnym różowym kolorze zapowiada wydarzenie „NOWA GENERACJA OPEN CALL 2026” organizowane przez Scenę Roboczą. Przestrzeń grafiki wypełniają geometryczne kształty – koło, romb, sześciokąt i trójkąt – w kolorach niebieskim, fioletowym, czerwonym i żółtym. Wewnątrz każdej figury umieszczono szarą sylwetkę stającego dęba konia.
Plakat w intensywnym różowym kolorze zapowiada wydarzenie „NOWA GENERACJA OPEN CALL 2026” organizowane przez Scenę Roboczą. Przestrzeń grafiki wypełniają geometryczne kształty – koło, romb, sześciokąt i trójkąt – w kolorach niebieskim, fioletowym, czerwonym i żółtym. Wewnątrz każdej figury umieszczono szarą sylwetkę stającego dęba konia.

Zamknęliśmy nabór na rezydencję teatralna w Scenie Roboczej Nowa Generacja 2026

Z radością informujemy o zamknięciu etapu przyjmowania zgłoszeń do 13. edycji open calla Nowa Generacja 2026! W tym roku otrzymaliśmy aż 49 unikalnych aplikacji! Ogromnie dziękujemy za tak liczny udział w naborze.

Prace nad weryfikacją i analizą nadesłanych propozycji już ruszyły. Proces selekcji z pewnością nie będzie prosty, jednak z niecierpliwością czekamy na wyłonienie zwycięskiego konceptu. Zgodnie z harmonogramem – teraz czas na nasz ruch. Podczas gdy Wy oczekujecie na wyniki, my robimy wszystko, aby wybrać najlepszy projekt.

W tej edycji oceny zgłoszeń dokona trzyosobowy zespół ekspercki w składzie: Zuzanna Berendt, Jan Czapliński i Adam Ziajski. Przed nimi niełatwe wyzwanie – wspólnie z ekipą Sceny Roboczej zdecydują, która z 49 aplikacji okaże się tą wygraną.

Kiedy wyniki i co dalej?

Oficjalne ogłoszenie wyników nastąpi 30 czerwca 2026 roku. Wcześniej planujemy spotkania on-line z trzema zespołami, których propozycje wzbudzą nasze największe zainteresowanie. Osobom uczestniczącym w naborze rekomendujemy regularne sprawdzanie skrzynek mailowych – być może to właśnie z Wami skontaktujemy się abyście przybliżyli nam szczegóły Waszych projektów przed podjęciem ostatecznej decyzji.

Warto pamiętać, o co toczy się gra!

Wygrany zespół otrzyma 20 000 zł brutto na realizację premiery teatralnej, a nasz zespół zadba o to, by cały proces przebiegł bezbłędnie. Zwycięzcy mogą liczyć na kompleksowe wsparcie produkcyjne, techniczne, promocyjne, organizacyjne oraz merytoryczne ze strony ekipy Sceny Roboczej i grona eksperckiego. W ramach rezydencji zapewniamy również zakwaterowanie oraz pełen dostęp do naszego studia i wyposażenia technicznego. Po premierze artysty otrzymają do własnej dyspozycji profesjonalną dokumentację: zdjęcia, teaser spektaklu oraz nagranie techniczne. Co ważne, premiera to dopiero początek – zwycięski tytuł zyska szansę na kolejne pokazy w ramach regularnego repertuaru Sceny Roboczej, co zostanie uregulowane odrębną umową.

 

GRONO EKSPERCKE

Plakat przedstawia sylwetkę Zuzanny Berendt, członkini „Grona Eksperckiego” w Open Call „Nowa Generacja 2026”. Portret uśmiechniętej kobiety o ciemnych włosach wpisano w szary zaokrąglony prostokąt, umieszczony na fioletowo-różowym tle z grafiką stającego dęba konia. Na dole strony znajduje się imię i nazwisko zapisane dużym, szarym fontem z konturem.
fot. Michał Korta

Zuzanna Berendt – badaczka teatru i sztuk performatywnych, doktora nauk humanistycznych, redaktorka miesięcznika „Dialog”, krytyczka teatralna. Pracuje jako niezależna kuratorka i towarzyszka procesów artystyczno-badawczych, jest zatrudniona na stanowisku post-doc w projekcie poświęconym kształtowaniu się sceny tańca w Polsce w latach 1945-1989, realizowanym w Instytucie Sztuki PAN. Jako krytyczka teatralna współpracuje między innymi z „Didaskaliami”, „Dwutygodnikiem”, „Teatrem” i portalem teatralny.pl. 

Plakat prezentuje Jana Czaplińskiego jako członka „Grona Eksperckiego” w ramach Open Call „Nowa Generacja 2026”. Czarno-białe zdjęcie zamyślonego, opartego o dłoń mężczyzny umieszczono wewnątrz czerwonego wielokąta na jaskraworóżowym tle. Grafikę dopełnia charakterystyczny szary symbol konia oraz duże, szeroko rozstawione napisy z imieniem i nazwiskiem na białym dole.
fot. archiwum prywatne

Jan Czapliński – dramaturg, dramatopisarz, tłumacz, wykładowca na kierunku Wiedzy o Teatrze warszawskiej Akademii Teatralnej, członek redakcji Teatru Telewizji, doradca programowy w Teatrze im. Norwida w Jeleniej Górze, w latach 2022-2024 dramaturg Teatru Dramatycznego im. Gustawa Holoubka w Warszawie oraz współkurator Warszawskich Spotkań Teatralnych. W ostatnich latach jako dramaturg współpracował w teatrze ⁦m.in⁩. z Katarzyną Minkowską, czy Kubą Skrzywankiem. Jest laureatem nagród za działalność artystyczną, m.in. Medalu Bieniasza, Medalu Młodej Sztuki oraz nagrody za najlepszy tekst w Konkursie na Wystawienie Polskiej Sztuki Współczesnej. Stypendysta MKiDN oraz m.st. Warszawy.

Plakat przedstawia portret Adama Ziajskiego, należącego do „Grona Eksperckiego” Open Call „Nowa Generacja 2026”. Mężczyzna w okularach i marynarce patrzy w obiektyw, a jego zdjęcie wpisano w żółty kształt przypominający trójkąt na intensywnie różowym tle. Po lewej stronie widnieje szara sylwetka konia, a na dole umieszczono duże, wyraźne napisy z imieniem i nazwiskiem eksperta.
for. Ula Jocz

Adam Ziajski – reżyser teatralny, aktor, scenograf, menedżer kultury i producent. Założyciel i lider teatru ulicznego „Strefa Ciszy” (1993–2015), z którym zrealizował 35 spektakli, widowisk i happeningów. W 2016 rozpoczął samodzielną drogę artystyczną, realizując dyptyk poświęcony osobom wykluczonym społecznie. Trzy lata później zadebiutował na 62. Krakowskim Festiwalu Filmowym filmem krótkometrażowym „Obecność obowiązkowa”. Na stałe związany ze Sceną Roboczą w Poznaniu, której jest pomysłodawcą i założycielem. W roku 2023 otrzymał nagrodę im. Konstantego Puzyny za stworzenie i prowadzenie ośrodka teatralnego, który wspiera niezależne działania artystyczne oraz aktywność na rzecz społeczności lokalnej.

Autorka identyfikacji wizualnej open calla: Kornelia Nowak

 

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Kategorie
Aktualności

Warsztaty Technik Scenicznych // realizacja dźwięku i światła

Czarna grafika z pomarańczowymi napisami. W centrum zdjęcie przedstawiające mężczyznę przy konsoli.
Czarna grafika z pomarańczowymi napisami. W centrum zdjęcie przedstawiające mężczyznę przy konsoli.

Spróbuj swoich sił w reżyserce!

Ruszamy z dwoma cyklami warsztatów technik scenicznych pod okiem doświadczonych realizatorów dźwięku i światła. Warsztaty odbędą się w dniach 6 – 11 lipca i składać się będą z czterogodzinnych bloków poświęconych osobno pracy realizatora dźwięku i światła.

To cykl sześciu spotkań edukacyjnych, skierowanych do osób zainteresowanych tworzeniem i obsługą dźwięku oraz oświetlenia scenicznego – zarówno dla osób bez żadnego doświadczenia, jak i tych stawiających już swoje pierwsze kroki w reżyserce, chcących zaczerpnąć wiedzę od specjalistów i praktyków w tej dziedzinie. Program oparty jest na podejściu „learning by doing” – uczestnicy uczą się poprzez działanie, eksperymentowanie oraz pracę na rzeczywistych przykładach.

Warsztaty obejmują zarówno podstawy techniczne, jak i zagadnienia kreatywne, takie jak budowanie narracji, praca z ciszą, rytmem i przestrzenią.

Istotnym elementem programu jest demistyfikacja technologii – pokazanie, że realizacja dźwięku i światła nie musi być domeną wyłącznie specjalistów, a przy odpowiednim podejściu i zrozumieniu podstaw może być dostępna dla szerokiego grona twórców.

Możesz wziąć udział w obu cyklach, ale istnieje także możliwość zapisania się tylko na jeden blok (dźwięk lub światło) lub wzięcia udziału w pojedynczym warsztacie.

 Zapisy

pr@scenarobocza.pl – w odpowiedzi zwrotnej otrzymasz od nas dane do zapłaty.

Maksymalna liczba uczestników to 10 osób. O dostaniu się na warsztaty decyduje kolejność wpłat.

Warsztaty skierowane są do osób od 18 roku życia.

Harmonogram warsztatów
6 LIPCA – DZIEŃ 1

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

Wprowadzenie do dźwięku w teatrze

  • rola dźwięku w spektaklu
  • podstawowe pojęcia (sygnał, poziomy, pasmo, sprzężenia)
  • przegląd sprzętu i narzędzi

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Wprowadzenie do oświetlenia scenicznego

  • przedstawienie ciekawostek z zakresu oświetlenia scenicznego
  • omówienie podstawowych zagadnień teoretycznych z zakresu elektryki oraz zasady działania dimmera
  • prezentacja osprzętu technicznego, będącego w zasobach Sceny Roboczej, zasady podłączania urządzeń
  • prezentacja autorskich projektów prowadzącego warsztaty
7 LIPCA – DZIEŃ 2

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

Mikrofony i rejestracja dźwięku

  • rodzaje mikrofonów i ich zastosowanie
  • techniki mikrofonowania w teatrze
  • podstawy nagrywania dialogów i efektów
  • field recording

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Podstawy technologii oświetleniowej

  • omówienie rodzajów żarówek i reflektorów oraz urządzeń inteligentnych i nieinteligentnych – zasady działania i różnice między nimi
  • widmo światła widzialnego i niewidzialnego, CRI, teoria koloru, zasada odwrotności kwadratów, lumeny, ANSI lumeny, kandele oraz inne zagadnienia z fizyki światła
  • podstawy BHP w pracy technika scenicznego
8 LIPCA – DZIEŃ 3

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

System nagłośnienia i miks

  • przedstawienie zasad działania systemu nagłośnienia
  • podstawy pracy na mikserze
  • równowaga, czytelność i dynamika dźwięku

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Techniki świecenia i praca z przestrzenią

  • techniki oświetlania różnego rodzaju wydarzeń oraz sposoby osiągania zamierzonych efektów świetlnych
  • dekonstrukcja świateł z przykładowych spektakli i omówienie metod uzyskania konkretnych efektów
  • dobrze wykonana instalacja na sali oraz korzyści wynikające z odpowiedniego przygotowania przestrzeni
  • wieszanie reflektorów, pozycjonowanie, obracanie oraz ustawienia soczewek i noży
9 LIPCA – DZIEŃ 4

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

Praca z materiałem dźwiękowym

  • edycja i przygotowanie dźwięku
  • wprowadzenie do pracy w programach typu DAW
  • tworzenie prostych efektów i podkładów

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Światło koncertowe i teatralne

  • gościnne poprowadzenie warsztatów przez oświetleniowca zespołu “Kuba i Kuba”.
  • rozszerzenie zagadnienia światła koncertowego i omówienie różnic pomiędzy światłem koncertowym a teatralnym
10 LIPCA – DZIEŃ 5

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

Dźwięk jako narzędzie dramaturgiczne

  • budowanie nastroju i narracji
  • praca z ciszą, rytmem i przestrzenią
  • synchronizacja dźwięku z akcją sceniczną

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Prowadzenie spektaklu

  • prowadzenie spektakli
  • wprowadzenie pojęcia “cue”
  • opracowanie scenariusza przykładowego spektaklu
  • projekcje i wideo, Resolume, OBS, przechwytywanie obrazu z kamery lub  innego komputera
11 LIPCA – DZIEŃ 6

10:00 – 14:00 | realizacja dźwięku

Realizacja techniczna spektaklu

  • przygotowanie do próby i pokazu
  • organizacja pracy realizatora
  • realizacja mini-formy scenicznej (ćwiczenie praktyczne)

16:00 – 20:00 | realizacja światła

Przygotowanie scenariusza oświetlenia

  • przygotowanie scenariusza oświetlenia przykładowego wydarzenia, spektaklu lub koncertu
  • opracowanie przebiegu scena po scenie z aktywnym udziałem uczestników
Koszt

– oba bloki warsztatowe (światła i dźwięku – 48h) – 1500 zł przy płatności z góry
– jeden blok warsztatowy (światła lub dźwięku – 24h) – 900 zł przy płatności z góry
– pojedynczy warsztat (światła lub dźwięku – 4h) – 200 zł

Wszelkie pytania należy kierować na maila pr@scenarobocza.pl

Miejsce: Studio Scena Robocza, ul. Wroniecka 6

O prowadzących warsztaty

Czarno biały porter mężczyzny siedzącego na krześle z nogami położonymi na stole.

Maciej Frycz – muzyk, kompozytor, producent muzyczny i realizator dźwięku z dwudziestoletnim stażem. Jako realizator współpracował z zespołami: Muchy, Pustki, Snowman, Kobiety i WaluśKraksaKryzys. Wyprodukował wiele płyt jazzowych, folkowych, awangardowych i rockowych, m. in. dla wytwórni MULTIKULTI, LADO ABC, KILOGRAM RECORDS. Tworzy muzykę do spektakli teatralnych i filmów współpracując z reżyserem Adamem Ziajskim. Muzyk i założyciel poznańskiego kolektywu muzycznego GOLDENBOYS.

Czarno-białe zdjęcie przedstawiające uśmiechniętego mężczyznę na rusztowaniu pomiędzy dwoma reflektorami.

Michał Kurasiński – technik teatralny i estradowy specjalizujący się w oświetleniu. Kulkuletni technik przy festiwalach teatralnych, takich jak „Bramat” w Goleniowie, „Kontrapunkt” w Szczecinie. Na co dzień współpracuje z poznańską Sceną Roboczą, Stargardzkim Centrum kultury, goleniowskim Domem Kultury oraz Teatrem Kana. Wielokrotnie współprodukował wystawy ze szczecińską galerią sztuki „TRAFO” oraz niezależnymi artystami. Prywatnie muzyk, pisarz oraz entuzjasta elektroniki.

Kategorie
Aktualności

TANIEC DUSZY, MUZYKA SERCA // Niranjan/Nowacki/Purandare

Zdjęcie przedstawia ekspresyjną fotografię artystki w tradycyjnym, bogato zdobionym stroju indyjskim na gładkim, zielonym tle. Kobieta ma na sobie czerwoną i niebieską szatę, wyrazisty makijaż, biżuterię oraz bindi na czole, a jej dłonie są ułożone w tanecznym geście. W dolnej części kadru umieszczono jaskraworóżową plamę z czarnym napisem „Taniec Duszy Muzyka Serca”, a w lewym górnym rogu znajduje się białe logo „Scena Robocza”.
Oliwkowo-żółty plakat zapowiada wydarzenie „Taniec Duszy Muzyka Serca”, którego centralną część stanowi wcięte zdjęcie tancerki w indyjskim stroju. Na dole po lewej stronie umieszczono czarne napisy informujące, że wydarzenie odbędzie się w STUDIO SCENA ROBOCZA. Po prawej stronie wymieniono nazwiska artystów (Niranjan Nowacki Purandare) oraz podano precyzyjną datę i godzinę: 08.06.2026 19:00.

Zapraszamy na wyjątkowy wieczór pełen rytmu, emocji i spotkania kultur.

Na scenie spotkają się artyści z Indii i Polski, tworząc niezwykły dialog tańca i muzyki na żywo. Klasyczny indyjski taniec Bharatanatyam to jeden z najstarszych i najbardziej ekspresyjnych stylów tańca świata. Tego wieczoru wykona go Apeksha Niranjan – ceniona tancerka i choreografka z Mumbaju. Jej sztuka wyróżnia się wyjątkową ekspresją, precyzją ruchu i odważnym otwieraniem klasycznej formy na nowe konteksty muzyczne i kulturowe. Taniec połączy się z brzmieniem instrumentów takich jak sitar, tabla i klarnet oraz śpiewem inspirowanym muzyką Indii.

Będzie to zatem podróż przez opowieści zapisane w ruchu, rytmie i melodii. Precyzyjne gesty, dynamiczne rytmy i żywa energia muzyków przeniosą publiczność w świat indyjskiej sztuki, gdzie tradycja spotyka współczesną, międzynarodową wrażliwość.

To wydarzenie będzie także okazją do poznania niezwykłej historii samej Apekshy Niranjan, której rodzinne losy związane są z Polską. Choć sama urodziła się w Indiach jej babcia była Polką, któraw zgiełku wojennej migracji znalazła schronienie w Indiach. Wieczór będzie mógł być okazją, aby porozmawiać z nią o tej wyjątkowych korzeniach.o tym czy to ten wyjątkowy fragment rodzinnej pamięci stał się inspiracją dla artystycznych działań poświęconych relacjom polsko-indyjskim oraz idei kulturowego porozumienia.

Zapowiada się więc wieczór pełen pasji, duchowości i artystycznego dialogu ponad granicami!

_____________________________

𝓣𝓐𝓝𝓘𝓔𝓒 𝓓𝓤𝓢𝓩𝓨, 𝓜𝓤𝓩𝓨𝓚𝓐 𝓢𝓔𝓡𝓒𝓐 // Niranjan, Nowacki, Purandare

∘ KIEDY: 8 czerwca, 19:00

∘ GDZIE: Studio Scena Robocza (ul. Wroniecka 6)

∘ BILETY ⟶ https://bit.ly/4dT0KBU

∘ CZAS TRWANIA: 60 minut bez przerwy

∘ DODATKOWE INFORMACJE: Prosimy o punktualne przybycie. Osoby spóźnione mogą nie zostać wpuszczone na spektakl.

______________________________

Dofinansowano ze środków budżetowych miasta Poznania #poznanwspiera

Pionowe zdjęcie prezentuje tancerkę uchwyconą od pasa w górę w trakcie wykonywania tradycyjnego tańca. Kobieta ubrana jest w czerwono-niebieskie sari, a jej szyję, uszy, włosy i pas zdobi masywna, złota oraz zielona biżuteria. Artystka patrzy bezpośrednio w obiektyw z delikatnym uśmiechem na tle jednolitej, szmarandowej ściany.

Apeksha Niranjan to tancerka Bharatnatyam, choreografka, badaczka sztuki tańca oraz była aktorka filmowa pochodząca z Mumbaju. Jest uczennicą wybitnych guru – dr Suchety Chapekar oraz dr Alki Lajmi. Ukończyła studia licencjackie i magisterskie w dziedzinie Bharatnatyam, a także posiada certyfikat artystki indyjskiej telewizji publicznej Doordarshan.
Jest założycielką i dyrektorką szkoły Nrityanjali Performing Arts, gdzie od ponad 21 lat naucza Bharatnatyam. Równolegle rozwijała karierę filmową jako aktorka kina marathi, występując w głównych rolach w takich produkcjach jak „Zunzar”, „Mingo”, „Ata Lagnala Chala” czy „Sang Priye Tu Kunachi”.
Artystka ceniona jest za wyjątkową ekspresję sceniczną oraz nowatorskie podejście do choreografii. Jako pierwsza wprowadziła chorały gregoriańskie do tradycyjnych przedstawień Bharatnatyam, a także jako pierwsza indyjska tancerka klasyczna stworzyła recital Bharatnatyam do tradycyjnej polskiej muzyki ludowej. Współpracowała z polską pisarką Moniką Kowaleczko-Szumowską przy realizacji tematycznego recitalu „Dzieci Maharadży”, poświęconego historycznym relacjom polsko-indyjskim.
Apeksha Niranjan stworzyła również choreografie do licznych marathi abhangów, które prezentowała na scenach całego świata. Zrealizowała także unikalny recital Bharatnatyam inspirowany hiszpańską muzyką flamenco, łącząc klasyczną tradycję indyjską z elementami kultury europejskiej.
Swoje recitale Bharatnatyam prezentowała m.in. w Indiach, Polsce, Włoszech, Sri Lance, Kanadzie, Tajlandii, Francji, Gruzji, Stanach Zjednoczonych, Serbii oraz Korei Południowej.

Zdjęcie przedstawia zbliżenie na młodego mężczyznę o ciemnych, lekko falowanych włosach, patrzącego w prawą stronę z poważnym wyrazem twarzy. Artysta ma na sobie ciemną koszulę w gęsty, ornamentalny wzór, a przed nim ustawione są dwa mikrofony sceniczne na statywach. Tło za mężczyzną jest całkowicie czarne, co mocno odcina jego sylwetkę.

Rudra Niranjan to młody i obiecujący wokalista pochodzący z Mumbaju, reprezentujący nowe pokolenie indyjskich artystów muzycznych. Jest synem uznanej tancerki i choreografki Bharatnatyam, Apekshy Niranjan, dzięki czemu od najmłodszych lat dorastał w atmosferze sztuki, muzyki i tradycji klasycznej Indii.
Obecnie kształci się pod kierunkiem cenionego muzyka i pedagoga Sanjeeva Chimmalagiego, doskonaląc warsztat wokalny oraz pogłębiając wiedzę z zakresu indyjskiej muzyki klasycznej. Rudra rozwija swój potencjał artystyczny poprzez regularne występy i intensywną edukację muzyczną.

Fotografia ukazuje z profilu brodatego, łysego mężczyznę grającego na tradycyjnym instrumencie strunowym. Muzyk ubrany jest w jasną, elegancką koszulę z długim rękawem oraz beżowe spodnie, a jego palce spoczywają na gryfie instrumentu. W ciemnym tle za nim widoczne są rozwieszone, drobne, wielokolorowe lampki dekoracyjne.

Eryk Nowacki gra na sitarze od ponad dekady, a jego przewodnikami w zgłębianiu tajników tej sztuki byli indyjscy mistrzowie: Supratik Sengupta, Debashish Bhattacharya oraz Bhai Baldeep Singh. Dzięki ich naukom zrozumiał duchowy wymiar muzyki indyjskiej. Podczas koncertów wykorzystuje tradycyjne kompozycje i techniki, wzbogacając je o własne pomysły oraz perski instrument saz. Współtworzy zespół Surtarang i najróżniejsze projekty łączące dziedzictwo Indii z zachodnim kręgiem kulturowym. 

Zdjęcie przedstawia profil dojrzałego mężczyzny z ciemnymi, lekko posiwiałymi włosami, który stoi przed mikrofonem scenicznym w ciepłym, czerwonym oświetleniu. Artysta ubrany jest w ciemną kamizelkę oraz wzorzystą koszulę w kolorowe motywy roślinne. Całość kadru skupia się na jego twarzy zwróconej w lewą stronę, podczas gdy w tle zarysowuje się prosta konstrukcja wnętrza.

Mandar Purandare  urodził się w Punie w Indiach. Od dzieciństwa miał kontakt ze sceną, teatrem i muzyką, rozwijając swoją pasję do sztuki. Występował w językach marathi, hindi oraz niemieckim, zdobywając doświadczenie zarówno teatralne, jak i muzyczne.
Od lat aktywnie działa również na polskiej scenie, występując w języku polskim i realizując autorskie projekty inspirowane spotkaniem kultur Indii i Europy. W swojej twórczości łączy muzykę, teatr i działania performatywne, poszukując uniwersalnego języka emocji i opowieści.
Jest wykładowcą języka hindi na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu, gdzie popularyzuje język oraz kulturę Indii. Łączy działalność akademicką z pracą artystyczną, angażując się w projekty międzykulturowe i edukacyjne.
Muzyk, aktor i tłumacz, a także miłośnik przyrody, kwiatów i spotkań z ludźmi.

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Kategorie
Aktualności

Odsłuch w ciemno // HI VIBE & Scena Nowa

Intensywnie czerwony plakat zapowiada wydarzenie „Odsłuch w ciemno” organizowane przez HI VIBE & Scena Nowa. W centrum, wewnątrz czarnej, poszarpanej plamy, umieszczono zdjęcie dłoni wkładającej płytę CD do odtwarzacza. Na dole plakatu czarnym fontem wypisano miejsce spotkania (STUDIO SCENA ROBOCZA) oraz dokładną datę i godzinę: 20.06.2026 18:00.
Intensywnie czerwony plakat zapowiada wydarzenie „Odsłuch w ciemno” organizowane przez HI VIBE & Scena Nowa. W centrum, wewnątrz czarnej, poszarpanej plamy, umieszczono zdjęcie dłoni wkładającej płytę CD do odtwarzacza. Na dole plakatu czarnym fontem wypisano miejsce spotkania (STUDIO SCENA ROBOCZA) oraz dokładną datę i godzinę: 20.06.2026 18:00.

Odsłuch w ciemno // HI VIBE & SCENA NOWA

Odsłuch w ciemno to społeczne doświadczenie, w którym muzyka staje się pretekstem do wspólnej uważności. To immersyjne spotkanie łączy indywidualne przeżywanie z byciem razem w ciszy, ciemności i prostych gestach codziennej życzliwości. Koncept stworzyła Scena Nowa to krakowski kolektyw kuratorski, który tym razem łączy siły z poznańskim kolektywem HI VIBE. Wydarzenie jest efektem międzymiastowej współpracy i okazją, by doświadczyć Odsłuchu w samym sercu Poznania.

Spotkanie polega na słuchaniu wybranych utworów w całkowitej ciemności i pełnym skupieniu. Przesłuchamy całe albumy (od początku do końca) lub specjalnie przygotowane muzyczne połączenia kilku wydawnictw, a następnie stworzymy przestrzeń do wymiany refleksji i doświadczeń z innymi uczestnikami. To, czego posłuchamy, pozostaje tajemnicą aż do rozpoczęcia wydarzenia, ale można spodziewać się nieoczywistych brzmień i gatunkowej różnorodności.

W skrócie: odcinamy się od bodźców i po prostu słuchamy muzyki. Zaciemniamy przestrzeń, podłączamy głośniki i klikamy „play”. Potem klikamy „stop”, zapalamy światło i jeszcze chwilę zostajemy razem w Scenie Roboczej albo pobliskim Filtrze, gdzie odbędzie się dalsza część Filtrowania, wydarzenia, którego częścią jest Odsłuch w ciemno.

________________________________

Filtrowanie to manifest czystego odbioru. Zapraszamy na trzyetapowe wydarzenie, które zmusi nas do zresetowania naszych muzycznych przyzwyczajeń.

Żyjemy w czasach, w których wizerunek, liczby i algorytmy zaczęły dominować nad dźwiękiem. Coraz częściej słuchamy marek osobistych i wykreowanych trendów, zamiast po prostu… słuchać muzyki. W tym szumie wartościowe, ambitne brzmienia łatwo giną pod warstwą wizualnego marketingu.

 

Krok 1: Odsłuch w ciemno (18:00, Scena Robocza)
Najpierw odcinamy wzrok w ciemności. Zaczynamy od radykalnego skupienia się na dźwięku. 

Krok 2: Panel dyskusyjny „Jak słuchacze wpływają na rynek muzyczny?” (19:30, Filter)
Po zapaleniu świateł przenosimy się do Filtera, by przełożyć nasze doświadczenie na merytoryczną dyskusję. Porozmawiamy o pułapkach współczesnego rynku. 

Krok 3: Finał: Koncert w ciemno (21:00, Filter)
Zwieńczeniem wieczoru będzie ostateczny test zaufania i ucieczka od uprzedzeń, czyli koncert artysty-niespodzianki. Przyjdź bez żadnych oczekiwań, etykiet i uprzedzeń.

Odważysz się posłuchać bez patrzenia?

________________________________

 

Odsłuch w ciemno // HI VIBE & SCENA NOWA

∘ KIEDY: 20 czerwca, 18:00
∘ GDZIE: Studio Scena Robocza (ul. Wroniecka 6)
∘ WYDARZENIE BEZPŁATNE
∘ CZAS TRWANIA: 60 min
∘ DODATKOWE INFORMACJE: Prosimy o punktualne przybycie. Osoby spóźnione mogą nie zostać wpuszczone na wydarzenie.

 

ORGANIZATORZY

https://www.instagram.com/hivibe.eu/

HI VIBE to wywodząca się z Poznania platforma medialna i stowarzyszenie kreatywne, działające na pograniczu nowoczesnego dziennikarstwa lifestylowo-muzycznego oraz produkcji audiowizualnej. Struktura działalności HI VIBE opiera się na kilku filarach. W obszarze mediowym jest to produkcja merytorycznych podcastów oraz publikacja treści cyfrowych. Równolegle platforma funkcjonuje jako aktywny podmiot branży kreatywnej – zajmuje się kompleksową realizacją teledysków, a także produkcją i współorganizacją wydarzeń kulturalnych. Nadrzędną misją tej niezależnej redakcji jest redefiniowanie tego, jak dziś rozmawia się o popkulturze, oraz wspieranie rodzimej sceny muzycznej poprzez systematyczne odkrywanie i promowanie utalentowanych twórców z całej Polski.

https://www.instagram.com/scena_nowa/

SCENA NOWA to pochodzący z Krakowa kolektyw kuratorujący Scenę Nową na Slot Art Festival w Lubiążu. Stawiają na intensywne koncerty bez oglądania się na gatunki, dlatego można u nich usłyszeć punk, alt-pop, stoner folk, nu-jazz, kung-fu, HC wasabi, normik rock revival i inne pionierskie trendy muzyczne. W ramach festiwalu organizują także immersyjne wydarzenia — odsłuchy w ciemności. Kolektyw odpowiedzialny jest za selekcję muzyczną i merytoryczne wprowadzenie, po to aby zanurzeni w dźwiękach i mroku klasztornych piwnic uczestnicy wzięli udział w doświadczeniu skupionym na uważności i wspólnym przeżywaniu albumów muzycznych od początku do końca. Na co dzień kolektyw tworzy również „Odsłuchy w ciemno” — cykliczne wydarzenie odbywające się w Krakowie.

________________________________

Ogranizatorzy: HI VIBE, Scena Nowa

Produkcja: Aleksandra Puk

Promocja i komunikacja: Aleksandra Puk, Olga Kwoczak, HI VIBE, Scena Nowa

Obsługa techniczna: Jacek Broda

________________________________

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Kategorie
Aktualności

Jak spełniać marzenia i nie zwariować? – Rozmowy Nieznane // Festiwal Tańca W NIEZNANE

Kolorowy plakat zapowiada wydarzenie kulturalne na tle zniekształconego cyfrowo, różowo-fioletowego wagonu pociągu. W centrum znajduje się duży biały napis „ROZMOWY NIEZNANE” z dopiskiem „na żywo!” oraz datą 18.06.2026. W dolnej części widoczne są logotypy organizatorów, w tym Studio Nieznane i Scena Robocza.
Plakat zapowiada spotkanie na żywo z cyklu „Rozmowy Nieznane” w ramach festiwalu tańca „W NIEZNANE”. Na tle ściany ze starymi kineskopowymi telewizorami widnieją portrety czterech uśmiechniętych osób: Adriana Radwańskiego, Ewy Pierańskiej-Norek, Bartosza Mroczkowskiego i Aleksandry Kuś. Centralne miejsce zajmuje zielony, neonowy tytuł oraz białe pytanie „Jak spełniać marzenia i nie zwariować?”, a pod nimi podano datę 18.06.2026, 19:00 i adres Sceny Roboczej ul. Wroniecka 6.

Jak spełniać marzenia i nie zwariować? – Rozmowy Nieznane // Festiwal Tańca W NIEZNANE

W czwartek 18. czerwca o godzinie 19.00 w Scenie Roboczej odbędą się pierwsze Rozmowy Nieznane na żywo!

Zapraszamy wszystkie osoby zainteresowane tańcem, ruchem, sztuką i spełnianiem marzeń na panel dyskusyjny z wyjątkowymi osobami gościnnymi. Porozmawiamy o tym, jak spełniać marzenia i nie zwariować? Rozmowa odbędzie się w pięknej, artystycznej przestrzeni Sceny Roboczej a poprowadzi ją Bartosz Mroczkowski – doktor nauk humanistycznych o specjalizacji filozofia, na co dzień praktyk sztuk walki, tańca współczesnego, performance oraz różnych form jogi i medytacji.

Pierwszą gościnią rozmowy będzie Ewa Pierańska – Norek – certyfikowana psychoterapeutka Gestalt, współtwórczyni gabinetów Ja Ty My, współpracująca również ze Stowarzyszeniem Monar, pasjonująca się tańcem i teatrem.

Drugą gościnią będzie Aleksandra Kuś – zawodowa tancerka i pedagożka tańca, związana do niedawna z Polskim Teatrem Tańca, aktualnie prężnie działająca we freelancingu, zaangażowana w liczne projekty artystyczne i choreograficzne.

Ostatnim z gości tego wieczoru będzie Adrian Radwański – nauczyciel metody Pilates, właściciel studia Pilates Boys, w przeszłości zawodowy tancerz również związany z Polskim Teatrem Tańca, który przekierował swoją aktywność całkowicie w stronę metody Pilates, zostając specjalistą w tej dziedzinie.

Podczas rozmowy osoby gościnne podzielą się z nami swoim doświadczeniem i realiami w pracy w zawodzie artystycznym z punktu widzenia zarówno zawodowych artystów i artystek, jak i pod kątem psychologicznym. Opowiedzą, jak wyglądała ich droga do spełniania marzeń i z czym to się wiąże, oraz co na ten temat mówi psychologia.

Serdecznie was zapraszamy – będzie to na pewno niezapomniany wieczór.

●

Rozmowa jest częścią pierwszej edycji Festiwalu Tańca W NIEZNANE organizowanego przez Studio Nieznane.

Ponadto w programie festiwalu:

∘ Liczne warsztaty tańca współczesnego osobami z Polski jak i zza granicy
∘ Współorganizowane z Kompanią Tańca AWF Poznań CONTESTPORARY czyli bitwy taneczne.
∘ Tęczowa joga z muzyką na żywo z okazji PRIDE WEEK.
∘ Pierwsza edycja konkursu choreograficznego „W nieznane”, podczas którego drogą selekcji nadesłanych zgłoszeń zostaną wybrani uczestnicy konkursu. Następnie odbędą się prezentacje. Nagrody w konkursie są pieniężne.
∘ Integracje
∘ SOMATIC RAVE
∘ Pokazy spektakli site specific
∘ Afterparty oraz wiele więcej…

Festiwal odbędzie się w dniach 12 – 21.06.2026 r.
Szczegóły na stronie: https://www.festiwal-nieznany.pl/

●

STUDIO NIEZNANE

To inkluzywne miejsce doświadczania poprzez ruch i ciało, gdzie taniec współczesny traktujemy, przez jego różnorodność, jako wyjątkowy sposób na budowanie uważności, ciekawości i świadomości ciała, a także jako ekspresję unikalności i wyjątkowości. Z nami doświadczysz pełnego spektrum różnorodności tańca współczesnego, a także improwizacji, kontakt improwizacji, tańca klasycznego, ludowego i jazzowego oraz choreografii.

Nasz program przygotowany jest w taki sposób, żeby każda osoba, niezależnie od stopnia i poczucia zaawansowania w tańcu czy w pracy z ciałem i ruchem, mogła znaleźć swoją ścieżkę. Poza tym, naszym celem jest stworzenie przestrzeni rozwojowej dla osób studiujących na kierunkach tanecznych, planujących związać swoją przyszłość z tańcem lub aktywnie już działających w tańcu, chcących pogłębiać swoje praktyki, wzmacniać i szlifować technikę, pozostawać i współtworzyć w procesie twórczym.

Jogę w Studio Nieznane traktujemy jako technikę uzupełniającą dla osób tańczących, poprawiającą świadomość, wzmacniającą i pomagającą w pełni korzystać z zakresów ciała. Niemniej nasz program zajęć został skomponowany w taki sposób, żeby stanowił oddzielną, całkowicie kompletną ścieżkę dla osób zainteresowanych jedynie jogą.

W naszym studio stawiamy na komplementarność i różnorodność – od delikatnych, relaksujących praktyk jogi, przez pracę skupioną na oddechu, aż do technik wzmacniających i zajęć mobility, koncentrujących się na anatomii ciała.

Pragniemy stworzyć miejsce, którego nam personalnie brakuje. Dążymy do przestrzeni otwartej na inicjatywy wewnętrzne i zewnętrzne. Marzymy, aby z czasem nie było to tylko miejsce umożliwiające zdobywanie wiedzy i umiejętności na najwyższym poziomie, ale również przestrzeń wspierająca osoby freelancersko działające w tańcu w Polsce.

Studio Nieznane powstało z inicjatywy Piotra Leszka, Katarzyny Leszek, Julii Radziszewskiej oraz Filipa Hylewicza i jednocześnie stanowi siedzibę Teatru Tańca Nieznany, działającego na terenie Poznania od 2018 roku.

Rozmowy Nieznane // Festiwal Tańca W NIEZNANE

∘ KIEDY: 18 czerwca, 19:00
∘ GDZIE: Studio Scena Robocza (ul. Wroniecka 6)
∘ WYDARZENIE BEZPŁATNE
∘ CZAS TRWANIA: 120 min

________________________________

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Kategorie
Aktualności

FORMA.live // DUET CHABANEL

Kadr skupia się na fragmencie zardzewiałego, metalowego filaru o prostokątnym przekroju, wokół którego splatają się męskie ramiona. Po lewej stronie widoczne są dłonie opierające się o rdzawą powierzchnię, natomiast z prawej strony obejmuje ją przedramię w brązowej koszuli. W górnej części umieszczono niebieski napis „duo: Chabanel recording session”.
chabanel
Plakat przedstawia dłonie rozrywające szary papier, spod którego wyłania się zmięte, czarno-białe zbliżenie na twarz i fryzurę mężczyzny. W górnej części widnieje jaskrawozielony tekst „FORMA.live 19.06.2026 poznań scena robocza wroniecka 6”. Na dole umieszczono biały podpis „duo: Chabanel” oraz nazwisko kuratorki Agaty Kneć.

FORMA.live // DUET CHABANEL

FORMA.live to nie jest zwykły koncert, to doświadczenie.

FORMA. jest niezależną inicjatywą kuratorską i platformą kultury współczesnej. Nie goni za trendami — destyluje proces twórczy. Buduje organiczny potencjał w oparciu o precyzyjny dobór twórców, tekstów i kontekstów.

Od 2018 roku eksploruje granice między dyscyplinami — od sound artu, przez teorię nowych mediów, po architekturę przestrzeni i krytykę kultury.
FORMA. działa na styku redakcji, galerii i laboratorium. To kultura traktowana jak struktura.

Ten live to ukierunkowana improwizacja. Materiał duetu chabanel to postapokaliptyczny świat przepełniony niepewnością dnia jutrzejszego, lękiem chwili obecnej. Niesie w sobie potężny ładunek energetyczny który zdaje się być kontrolowany przez artystów. Każda próba określenia gatunkowego jest daremna, to elektroniczny eksperyment w czystej postaci. Rave przenika się z death metalem by ukazać odbiorcom coś co widzą tylko oni. U podstaw czysty awangardowy noise będący spoiwem formy i swoistym uziemieniem doświadczenia.

Chcę tam być, słyszeć, widzieć, nie wiem czemu, ale chce. Czasem się zastanawiam dlaczego sobie to robię? Może chce czuć, a normalność po wszystkim zdaje się lżejsza. To oczyszczające.

Kuratorka/tekst: Agata Kneć
Realizacja światła i dźwięku: Jacek Broda
Produkcja: Aleksandra Puk
Komunikacja i promocja: Aleksandra Puk, Olga Kwoczak
Organizator: FORMA., Scena Robocza
Patronat: magazyn Glissando

UWAGA: Podczas wydarzenia mogą zostać użyte światła stroboskopowe.

●

Szczegóły

∘ KIEDY: 19 czerwca 2026, 20:00
∘ GDZIE: Studio Scena Robocza (ul. Wroniecka 6)
∘ BILETY ⟶ w cenie 30 zł dostępne do zakupu przez internet, oraz na miejscu w kasie przed wydarzeniem 
∘ CZAS TRWANIA: 60 minut bez przerwy

●

Chabanel

Duet improwizowanej muzyki elektronicznej, który tworzą Gabriel Sasseville-Jolicoeur (gitara basowa i elektronika) oraz Jordan Torres Bussière (obiekty amplifikowane i elektronika). Formacja działa od 2014 roku.
Artyści w swojej twórczości bazują na kontraście między surowymi, ciężkimi brzmieniami a stonowaną syntezą, łącząc to z nieregularną rytmiką bliską estetyce free jazzu. Ich celem jest odzyskanie na scenie fizycznej, ucieleśnionej obecności, która stanowiłaby przeciwwagę dla mechanicznego i onirycznego charakteru koncertowej muzyki elektronicznej.
Chabanel posługuje się nietypowymi obiektami i autorskimi rozwiązaniami w kontekście twórczości dźwiękowej.

Agata Kneć

Artystka intermedialna, kompozytorka, kuratorka i aktywistka kulturalna. Traktuje dźwięk jak materię plastyczną – rozciąga go, deformuje, nakłada warstwy. Pracuje na przecięciu sztuk wizualnych, dźwięku i technologii. Jej praktyka obejmuje instalacje audiowizualne, sound design, performans oraz muzykę do filmów krótkometrażowych i słuchowisk. Interesuje ją to, co ukryte w szumie, zniekształceniach i niedopowiedzeniach.
Prace prezentowała na festiwalach oraz w instytucjach kultury w kraju i za granicą. Jako DJ-ka działa na polskiej i międzynarodowej scenie klubowej oraz radiowej, współtworząc autorskie audycje dla Radio Kapitał i NOODS Radio (Bristol).
Od 2018 roku prowadzi FORMA. W latach 2019–2023 współtworzyła stowarzyszenie KOMPLET i przestrzeń DOMIE.

DOWIEDZ SIĘ WIĘCEJ

www.agataknec.com
www.formapresents.com

Kategorie
Aktualności

Nowa Generacja 2026

Plakat w intensywnym różowym kolorze zapowiada wydarzenie „NOWA GENERACJA OPEN CALL 2026” organizowane przez Scenę Roboczą. Przestrzeń grafiki wypełniają geometryczne kształty – koło, romb, sześciokąt i trójkąt – w kolorach niebieskim, fioletowym, czerwonym i żółtym. Wewnątrz każdej figury umieszczono szarą sylwetkę stającego dęba konia.
Plakat w intensywnym różowym kolorze zapowiada wydarzenie „NOWA GENERACJA OPEN CALL 2026” organizowane przez Scenę Roboczą. Przestrzeń grafiki wypełniają geometryczne kształty – koło, romb, sześciokąt i trójkąt – w kolorach niebieskim, fioletowym, czerwonym i żółtym. Wewnątrz każdej figury umieszczono szarą sylwetkę stającego dęba konia.

Rusza 13. edycja open calla na rezydencję teatralną w Scenie Roboczej Nowa Generacja 2026

Wołamy do młodych twórców i twórczyń, czujących, że scena może ruszyć w nowych kierunkach. Jakim językiem powinien dziś mówić teatr? Jakie obrazy, treści i historie warto dziś wypuścić na scenę? Jeśli nosicie w sobie pomysł na wydarzenie, którego Wam brakuje w aktualnym krajobrazie sztuk performatywnych – to dobry moment, by wyciągnąć go z szuflady i dać mu szansę zaistnieć.

Nowa Generacja od lat daje przestrzeń świeżym, odważnym i nieoczywistym projektom teatralnym – także tym, które biegną własnym torem i powstają na styku różnych dziedzin sztuki. Szukamy osób, które nie boją się eksperymentować, iść pod prąd i poszukują własnej formy wyrazu.

W zeszłym roku zwycięski duet Pollera – Edmund Krempiński i Jakub Dylewski – wraz z zespołem stworzył spektakl FOR MEN: poruszającą, osobistą i bezkompromisową opowieść o współczesnej męskości, czułości oraz ciężarze ról narzucanych przez konwenanse społeczne. Pokazali, że scena może być miejscem odwagi, siły i szczerości.

Trwa Rok Konia, więc może to właśnie Wasz moment, by ruszyć z kopyta i pokazać swój pomysł.

Z otwartością i wielką ciekawością oczekujemy Waszych zgłoszeń. Temat i formę zostawiamy w Waszych rękach. 

▀▄▀▄▀▄ JAK WZIĄĆ UDZIAŁ? ▀▄▀▄▀▄

Warunkiem jest wiek – open call jest adresowany do osób pełnoletnich, urodzonych po 31 grudnia 1990 roku (w przypadku pracy zbiorowej co najmniej połowa zespołu musi spełniać powyższy warunek wiekowy).

Aplikację w formie wypełnionego formularza zgłoszeniowego należy nadesłać na adres: nowageneracja@scenarobocza.pl w tytule maila wpisując NOWA GENERACJA 2026.

▀▄▀▄▀▄ TERMINY ▀▄▀▄▀▄

Ostateczny termin nadsyłania prac: 31 maja 2026 do godz. 23:59

Ogłoszenie wyników:  30 czerwca 2026.

W razie pytań lub wątpliwości, prosimy o kontakt przez mail nowageneracja@scenarobocza.pl

▀▄▀▄▀▄ CO DLA WYGRANYCH? ▀▄▀▄▀▄

Nagrodą w konkursie są:

  • środki na realizację premiery teatralnej w wysokości 20 000 zł brutto;
  • kompleksowa obsługa produkcyjna, techniczna, promocyjna, organizacyjna i merytoryczna zapewniona przez zespół Sceny Roboczej;
  • możliwość korzystania ze studia Sceny Roboczej i wyposażenia technicznego, będącego w dyspozycji Organizatora w trakcie rezydencji;
  • zakwaterowanie na czas rezydencji i pokazów premierowych;
  • dokumentacja fotograficzna, teaser spektaklu oraz techniczne nagranie z premiery do własnej dyspozycji;
  • możliwość kolejnych prezentacji zrealizowanej premiery w ramach repertuaru Sceny Roboczej na podstawie odrębnej umowy.

⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⣔⣠⣆⣰⣄⡀⠀
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⢐⣒⣶⢟⣭⢾⣷⣿⣤⠀
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⢤⣿⣿⣵⣿⢿⡿⢿⣷⣷⣂
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⢰⣿⢟⣽⣯⡺⣿⠁⠀⠈⠱⠿
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⣩⣷⣿⣷⣭⢷⠽⣆⠀⠀⠀⠀
⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⢀⢤⣤⣲⣻⣿⣿⣿⣯⣯⣿⣯⡿⣵⣴⢶⡄
⠀⢠⣄⣀⣀⣴⡶⣶⣯⡥⣽⣿⢿⣿⣿⣹⣷⡿⠟⠛⠛⢹⡄⢸⠇
⢀⣨⣿⣿⣿⣻⣾⣿⡾⣿⣿⣿⣿⡿⠿⠟⠋⠀⠀⠀⢸⡽⣵⡿⠁
⠹⠸⠋⠉⢁⣾⣿⠷⣻⣿⣿⡟⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
⠀⠀⠀⣼⠟⠉⣱⣾⠿⠛⠁⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
⠀⠀⣜⠃⠀⢀⡟⠁⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
⢀⣼⠏⢀⣤⡿⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀
⠈⠉⠀⠈⠉⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀

Identyfikacja graficzna: Kornelia Nowak

ZAŁĄCZNIKI

FORMULARZ ZGŁOSZENIOWY
STUDIO SCENA ROBOCZA ZDJĘCIA PRZESTRZENI
REGULAMIN
WYPOSAŻENIE TECHNICZNE
Klauzula informacyjna o przetwarzaniu danych osobowych

Zgodnie z art. 13 ust. 1 i ust. 2 rozporządzenia Parlamentu Europejskiego i Rady (UE) 2016/679 z 27 kwietnia 2016 r. w sprawie ochrony osób fizycznych w związku z przetwarzaniem danych osobowych i w sprawie swobodnego przepływu takich danych oraz uchylenia dyrektywy 95/46/WE (RODO), informujemy, iż:

1. Administratorem Twoich danych osobowych jest Stowarzyszenie Scena Robocza z siedzibą w Poznaniu, ul. Wroniecka 6, kod pocztowy 61-763, adres e-mail: biuro@scenarobocza.pl, tel. 795 577 022

2. Przetwarzanie Twoich danych osobowych będzie się odbywać na podstawie art. RODO i Ustawy o Ochronie Danych Osobowych w celu wzięcia udziału w konkursie “Nowa Generacja”.

3. Twoje dane osobowe będą przechowywane do czasu zakończenia trwania projektu.

4. Posiadasz prawo dostępu do treści swoich danych osobowych, prawo do ich sprostowania, usunięcia, jak również prawo do ograniczenia ich przetwarzania/ prawo do cofnięcia zgody, prawo do przenoszenia danych, prawo do wniesienia sprzeciwu wobec przetwarzania Twoich danych osobowych.

5. Przysługuje Tobie prawo wniesienia skargi do organu nadzorczego, jeśli Twoim zdaniem, przetwarzanie Twoich danych osobowych – narusza przepisy unijnego rozporządzenia RODO. Podanie przez Ciebie danych osobowych jest warunkiem uczestnictwa w konkursie.

Informujemy, iż Twoje dane osobowe nie będą przekazywane żadnym odbiorcom danych. Twoje dane osobowe nie będą przetwarzane w sposób zautomatyzowany i nie będą profilowane.

Dofinansowano ze środków budżetowych Miasta Poznania #poznanwspiera

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego

Kategorie
Aktualności Projekty

ŻYWE KULTURY TEATRU – podsumowanie odwiedzin Sceny Roboczej w Instytucie Grotowskiego

Zdjęcie przedstawia czarny plakat informacyjny umieszczony na drewnianej sztaludze na brukowanym podwórku. Afisz podzielony jest na cztery części, z których każda prezentuje inne wydarzenie teatralne, m.in. „Bromance” oraz „Umwelt”. Całość kadru została fantazyjnie otoczona narysowaną cyfrowo, jaskraworóżową grubą linią.
Zdjęcie przedstawia czarny plakat informacyjny umieszczony na drewnianej sztaludze na brukowanym podwórku. Afisz podzielony jest na cztery części, z których każda prezentuje inne wydarzenie teatralne, m.in. „Bromance” oraz „Umwelt”. Całość kadru została fantazyjnie otoczona narysowaną cyfrowo, jaskraworóżową grubą linią.

Jako Dom Produkcyjny przyzwyczailiśmy się do życia w ciągłym procesie i ruchu. W połowie kwietnia spakowaliśmy walizki, skrzynie i torby i wyruszyliśmy 180 kilometrów na południe.

Na zaproszenie wrocławskiego Instytutu Grotowskiego, w ramach projektu „Żywe Kultury Teatru”, na kilka dni zmieniliśmy adres. To była wyjątkowa wymiana energii – pod koniec marca gościliśmy artystów z Wrocławia u siebie, a teraz to my odwiedziliśmy ich przestrzeń, przywożąc ze sobą w bagażu mnóstwo różnorodności.

Wśród czterech tytułów, które ze sobą zabraliśmy, znalazły się zarówno spektakle, które miały premiery kilka lat temu i dorobiły się statusu naszych klasyków, jak i zupełne świeżynki, mające premierę w zeszłym roku. Było to dla nas ważne wydarzenie, ponieważ rzadko zdarza się, by aż cztery nasze tytuły były prezentowane dzień po dniu. 

Zaprezentowaliśmy spektakle różnorodne formalnie i tematycznie: od tańca, przez instalację performatywną i eksperyment sceniczny, po teatr dramatyczny. Nie zabrakło tematów, które wzruszą, ale i sprowokują do refleksji – od stereotypów dotyczących męskości, przez kolonialną przeszłość Polski i wymazywane postaci z historii, aż po międzyludzkie różnice w postrzeganiu świata.

Chcielibyśmy podziękować Instytutowi Grotowskiego za otwartość na to, co u nas ŻYWE oraz za możliwość zaprezentowania tego na wrocławskich scenach. Jesteśmy również wdzięczni wszystkim, którzy przyjęli zaproszenie, aby na chwilę wejść w nasz świat i wspólnie się po nim rozejrzeć. To niesamowite spakować się i w nowym otoczeniu zaprezentować tak różnorodny repertuar. W naszym wrocławskim rozkładzie jazdy znalazły się:

Dziękujemy za ciepły odbiór naszych spektakli. Ten intensywny weekend nie odbyłby się także bez aktorek i aktorów, którzy zdecydowali udać się z nami w podróż i podzielić się z odbiorcami swoją wrażliwością.

Fotorelacja Tobiasza Papuczysa nadaje świeżości i rzuca nowe światło na spektakle z naszego repertuaru. Zachęcamy do oglądania i wspominania z nami wrocławskich chwil.